Gotska umetnost

Iz Wikipedije, proste enciklopedije
Jump to navigation Jump to search
Zahodni (kraljevi portal v stolnici v Chartresu (ca. 1145)-ti arhitekturni kipi so najzgodnejši gotski kipi in so revolucionarni v slogu in model za generacije kiparjev.
Poznogotska upodobitev Čaščenje Svetih treh kraljev iz Strasbourške stolnice.
Gotska skulptura, konec 15. stoletja, Amienska stolnica.

Gotska umetnost je bil slog srednjeveške umetnosti, ki se je v severni Franciji razvil iz romanske umetnosti v 12. stoletju, vodil pa jo je sočasni razvoj gotske arhitekture. Razširil se je po celotni zahodni Evropi in velikem delu južne in srednje Evrope, v klasični obliki v Italiji pa ni nikoli preveč. V poznem 14. stoletju se je razvil prefinjen dvorni slog mednarodne gotike, ki se je nadaljeval do konca 15. stoletja. Na mnogih področjih, zlasti v Nemčiji, se je poznogotska umetnost nadaljevala tudi v 16. stoletju, preden je prešla v renesančno umetnost. Primarni mediji gotskega obdobja so bili kiparstvo, tabelno slikarstvo, vitraj, freska in iluminirani rokopis. Lahko prepoznavni premiki v arhitekturi od romanskih do gotike in gotskega do renesančnega sloga se običajno uporabljajo za opredelitev obdobij v umetnosti v vseh medijih, čeprav se je v mnogih pogledih figurativna umetnost razvijala z drugačnim tempom.

Najstarejša gotska umetnost je bila monumentalna skulptura, na stenah stolnic in opatij. Krščanska umetnost je bila pogosto tipološke narave in je prikazovala zgodbe iz Nove in Stare zaveze. Življenje svetnikov je bilo pogosto upodobljeno. Podobe Device Marije so se od bizantinske ikonične oblike spremenile v bolj človeško in ljubečo mater, ki se je oklepala svojega dojenčka, ga zibala in kazala prefinjene manire dobro vzgojene aristokratske dvorne dame.

Sekularna umetnost je v tem obdobju prišla na svoje mesto z vzponom mest, ustanovitvijo univerz, povečanjem trgovine, ustanovitvijo denarnega gospodarstva in oblikovanjem meščanskega razreda, ki bi si lahko privoščil pokroviteljstvo umetnosti in naročenih del, kar je povzročilo širjenje slik in iluminiranih rokopisov. Povečana pismenost in vse več posvetne vsesplošne literature je spodbudilo zastopanje posvetnih tem v umetnosti. Z rastjo mest so se oblikovali trgovski cehi in umetniki so pogosto morali biti člani slikarskega ceha - zato je v tem obdobju zaradi boljšega vodenja evidenc več umetnikov poimenovalo; nekateri umetniki so bili celo tako drzni, da so se podpisali s svojim imenom.

Izvor[uredi | uredi kodo]

Mednarodna gotska Marija Magdalena iz 14. stoletja v stolnici St. John v Torunu.

Gotska umetnost se je pojavila v Île-de-Franceu v Franciji v zgodnjem 12. stoletju v opatijski cerkvi St Denis, ki jo je zgradil opat Suger.[1] Slog se je v arhitekturi hitro razširil od arhitekture do kiparstva, tako monumentalne kot osebne velikosti, tekstilne umetnosti in slikarstva, ki je prevzela različne oblike, vključno s fresko, vitrajem, iluminiranim rokopisom in tabelno sliko[2]. Meniški redovi, zlasti cistercijani in kartuzijani, so bili pomembni graditelji, ki so širili slog in razvijali njegove značilne različice po Evropi. Regionalne variacije arhitekture so ostale pomembne, tudi ko se je do poznega 14. stoletja razvil skladen univerzalni slog, znan kot mednarodna gotika, ki se je nadaljeval vse do poznega 15. stoletja in še naprej na mnogih območjih.

Čeprav je bila gotska umetnost veliko bolj posvetna, kot se danes pogosto misli, saj je na splošno stopnja ohranjenosti religiozne umetnosti boljša kot pri sekularnih ustreznikih, je bil velik del umetnin, ustvarjen v tem obdobju, religiozen, bodisi da ga je naročila cerkev ali laiki. Gotska umetnost je bila pogosto tipološke narave in je odražala prepričanje, da so dogodki iz Stare zaveze vnaprej določili dogodke Nove in da je bil to res njihov glavni pomen. Stari in novozavezni prizori so se kazali drug ob drugem v delih, kot so Speculum Humanae Salvationis in v dekoraciji cerkva. Gotsko obdobje je sovpadlo z velikim vstajanjem Marijanske pobožnosti, v katerem so igrali glavno vlogo vizualne umetnosti. Podobe Device Marije so se razvile iz bizantinskih hieratskih vrst, prek kronanja Device, do bolj človeških in intimnih tipov, cikli življenja Device pa so bili zelo priljubljeni. Umetniki, kot so Giotto, Fra Angelico in Pietro Lorenzetti v Italiji in zgodnje nizozemsko slikarstvo, so umetnost vnesli realizem in bolj naravno človeškost. Zahodni umetniki in njihovi meceni so postali veliko bolj samozavestni v inovativni ikonografiji in opaža se veliko več izvirnosti, čeprav kopirane formule še vedno uporabljala večina umetnikov.

Na ikonografijo so vplivale spremembe teologije, prikazovanja Marijinega vnebovzetja pa so se uveljavila na starejši smrti Device in v pobožnih praksah, kot je Devotio Moderna, ki so ustvarile nove Kristusove obravnave pri temah, kot je Človek žalosti, Zamišljeni Kristus in Pietà, ki so poudarjale njegovo človeško trpljenje in ranljivost, v vzporednem gibanju kot v upodobitvah Device. Tudi v Poslednjih sodbah je bil Kristus po navadi prikazan, da razkriva svoje rane, svoj Pasijon. Svetniki so se pogosteje prikazovali in oltarne slike so prikazovale svetnike, ki so pomembni za določeno cerkev ali darovalca, ko so bili na križanju ali ustoličeni Devici in otroku ali so zasedali osrednji prostor (običajno za dela, zasnovana za stranske kapele). V obdobju so se mnoge starodavne ikonografske značilnosti, ki izvirajo iz novozaveznih apokrif, postopoma odpravile pod klerikalnim pritiskom, čeprav so bile druge preveč uveljavljene in veljale za neškodljive. [3]

Slikarstvo[uredi | uredi kodo]

Simone Martini (1285–1344).
Francoste poznogotke freske.

Slikanje v slogu, ki ga lahko imenujemo gotika, se je pojavilo šele okoli leta 1200, skoraj 50 let po nastanku gotske arhitekture in kiparstva. Prehod iz romanike v gotiko je zelo nenatančen in sploh ne pomeni jasnega preloma, gotski okrasni detajli pa se pogosto uvajajo, preden se veliko spremeni v slogu samih figur ali kompozicij. Potem postajajo figure bolj animirane pri pozi in izrazu obraza, po navadi so manjše glede na ozadje prizorov in so bolj prosto razporejene v slikovnem prostoru, kjer je prostor. Ta prehod se najprej zgodi v Angliji in Franciji okrog leta 1200, v Nemčiji okoli 1220 in Italiji okrog 1300. Slikanje v gotskem obdobju so izvajali v štirih glavnih medijih: freske, plošče, iluminirani rokopisi in vitraji.

Freske[uredi | uredi kodo]

Freske so še naprej uporabljali kot glavno slikovno pripovedno obrt na cerkvenih stenah v južni Evropi kot nadaljevanje zgodnje krščanskih in romanskih tradicij. Naključje preživetja je na Danskem in Švedskem dalo največje skupine ohranjenih cerkvenih stenskih poslikav v slogu Biblia pauperum, ki se običajno razširijo na takrat zgrajene križne oboke. Tako na Danskem kot na Švedskem so bile po reformaciji skoraj vsi pokriti z apnenim opleskom, nekatere pa so od svojega nastanka ostale nedotaknjene. Med najboljšimi primeri z Danske so primeri mojstra iz Elmelundeja z danskega otoka Møn, ki je okraševal cerkve v Fanefjordu, Keldbyju in Elmelundeju [4]. Albertus Pictor je menda najbolj znan umetnik fresk iz obdobja, ki je deloval na Švedskem. Primeri švedskih cerkva z dobro ohranjenimi freskami vključujejo cerkve Tensta, Gökhem in Anga.

Vitraji[uredi | uredi kodo]

V severni Evropi je bil vitraj pomembna in prestižna oblika slikarstva vse do 15. stoletja, ko ga je izpodrinilo tabelno slikarstvo. Gotska arhitektura je močno povečala količino stekla v velikih stavbah, deloma, da bi omogočila široka okna, kot pri rozetah. V zgodnjem delu obdobja so uporabljali predvsem črno barvo in prozorno ali svetlo obarvano steklo, v zgodnjem 14. stoletju pa je uporaba srebrovih barv, poslikanih na steklu, ki se je nato peklo, omogočila več barvnih različic, osredotočenih na rumene barve, ki se uporablja s prozornim steklom v enem kosu. Do konca obdobja so oblikovalci vse pogosteje uporabljali velike koščke stekla, ki so bili pobarvani, z rumenimi barvami kot prevladujočimi barvami in relativno malo manjših kosov stekla v drugih barvah.[5]

Rokopisi in tisk[uredi | uredi kodo]

Iluminirani rokopisi predstavljajo najcelovitejši zapis gotskega slikarstva in zagotavljajo sloge v krajih, kjer nobena monumentalna dela sicer niso preživela. Najstarejši polni rokopisi s francosko gotsko ilustracijo segajo v sredino 13. stoletja [6]. Številni taki rokopisi so bili kraljeve biblije, čeprav so psalterji tudi vsebovali ilustracije; Pariški psalter iz Saint Louisa iz leta 1253 do 1270 ima 78 iluminacij na celotni strani v tempera barvi in zlatih listih.[7]

Molitvenik Jeanne d'Evreux, delo Jeana Pucella, Paris, 1320-ih.

V poznem 13. stoletju so pisarji začeli ustvarjati molitvenike za laike, ki jih pogosto imenujejo knjige ur zaradi uporabe v predpisanih časih dneva. Zdi se, da je bil najzgodnejši primer napisan za neznano laikinjo, ki je živela v majhni vasici blizu Oxforda okoli leta 1240. Plemstvo je pogosto kupovalo takšna besedila in lepo plačevalo za dekorativne ilustracije; med najbolj znanimi ustvarjalci le-teh je Jean Pucelle, čigar Molitvenik Jeanne d'Evreux je naročil kralj Karel IV. kot darilo za njegovo kraljico Jeanne d'Évreux [8]. Elementi francoske gotike, ki so prisotni v takih delih, vključujejo uporabo dekorativnih strani, ki spominjajo na arhitekturo časa z podolgovatimi in podrobnimi figurami. Uporaba prostorskih kazalcev, kot so gradbeni elementi in naravne danosti, kot so drevesa in oblaki, označuje tudi francoski gotski slog iluminacije.

Od sredine 14. stoletja se zdi, da so bile blok knjižice v Nizozemskih deželah, kjer so bile najbolj priljubljene, tudi cenovno dostopne. Do konca stoletja so tiskane knjige z ilustracijami, ki so še vedno večinoma o verskih temah, hitro postale dostopne uspešnemu srednjemu sloju, prav tako pa so bile v teh knjigah dokaj kakovostne gravure tiskarjev kot sta Israhel van Meckenem in Master E. S., v 15. stoletju. Uvedba poceni tiska, večinoma v lesorezu, je tudi kmetom omogočila, da imajo doma pobožne slike. Te drobne slike na trgu, pogosto surovo obarvane, so bile prodane v tisočih, danes pa so izjemno redke, večina pa je bila prilepljena na stene.

Oltarne slike in paneli[uredi | uredi kodo]

Slikanje z oljem na platnu je postalo priljubljeno šele v 15. in 16. stoletju in je bilo znak renesančne umetnosti. V severni Evropi je pomembna in inovativna šola zgodnje nizozemskega slikarstva v glavnem v gotskem slogu, vendar jo je mogoče šteti tudi za del severne renesanse, saj je pred odhodom v Italijo zanimanje za klasicizem močno vplivalo na sever. Slikarja, kot sta Robert Campin in Jan van Eyck, sta uporabila tehniko oljnega slikanja, da sta ustvarila podrobna dela, korektna v perspektivi, kjer je bil navidezni realizem kombiniran z bogato zapleteno simboliko, ki izhaja prav iz realističnih podrobnosti, ki jih zdaj lahko vključujejo, tudi v majhna dela. V zgodnjem nizozemskem slikarstvu iz najbogatejših mest severne Evrope je bil nov minutni realizem v oljnem slikarstvu kombiniran s subtilnimi in zapletenimi teološkimi aluzijami, izraženimi prav skozi zelo podrobne religiozne prizore. Mérodejev oltar (1420-ih) Roberta Campina in washingtonsko Van Eyckovo Oznanjenje ali Madona kanclerja Rolina (obe iz 1430-ih, Jan van Eyck) sta taka primera [9]. Za bogate so postajale vse bolj priljubljene majhne tabelne slike, celo poliptihi v oljni tehniki, ki so pogosto prikazovali portrete donatorjev, čeprav pogosto veliko manjše od upodobljenih Device ali svetnikov. Ti so bili običajno razstavljeni v domu.

Kiparstvo[uredi | uredi kodo]

Monumentalni kipi[uredi | uredi kodo]

Francoska slonovina Devica in otrok, konec 13. stoletja, visoka 25 cm, ukrivljena, da bi ustrezala obliki slonovine.

Gotsko obdobje je v bistvu opredeljeno z gotsko arhitekturo in se ne ujema povsem z razvojem sloga v kiparstvu niti v začetku niti v zaključku. Pročelja velikih cerkva, zlasti okrog vrat, so še naprej imele velike timpanone, a okoli njih so se širile tudi vrste izklesanih figur.

Kipi na zahodnem (kraljevem) portalu v stolnici v Chartresu (iz približno leta 1145) kažejo eleganten, vendar pretiran stebrast raztezek, toda tisti na južnem portalu transepta iz 1215–20 kažejo bolj naturalističen slog in vse večjo odcepljenost od stene zadaj in nekaj zavedanja o klasični tradiciji. Ti trendi so se nekaj let pozneje nadaljevali na zahodnem portalu v stolnici v Reimsu, kjer so figure skoraj v krogu, kar je postalo običajno, ko se je gotika razširila po Evropi[10]. V Bamberški stolnici je morda največji sklop skulptur iz 13. stoletja, ki je vrhunec doživel leta 1240 z Bamberškim jezdecem, prvim konjeniškim kipom v naravni velikosti v zahodni umetnosti od 6. stoletja dalje.

Nicola Pisano (1258–78) in njegov sin Giovanni sta v Italiji razvila slog, ki ga pogosto imenujejo protorenesansa, z nezgrešljivim vplivom rimskih sarkofagov in prefinjenimi in prenatrpanimi kompozicijami, vključno s simpatičnim ravnanjem z goloto, v reliefnih panojih na svoji prižnici stolnice v Sieni (1265–68), Fontani Maggiore v Perugii in Giovannijevi prižnici v Pistoii iz leta 1301[11].

Drug preporod klasičnega sloga je viden v mednarodnem gotskem delu Clausa Sluterja in njegovih privržencev v Burgundiji in Flandriji okoli leta 1400. Poznogotska skulptura se je nadaljevala na severu, z modo zelo velikih lesenih kiparskih oltarnih umetnin z vse bolj virtuoznimi rezbarijami in velikim številom vznemirjenih izraznih figur; večina ohranjenih primerov je v Nemčiji, po mnogo drugih ikonoklazmih. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss in drugi so slog nadaljevali tudi v 16. stoletju in postopoma absorbirali italijanske renesančne vplive[12].

Nagrobniki v naravni velikosti v kamnu ali alabastru so postali priljubljeni za premožne, razvile so se velike grobnice na več ravneh, tako da so bile Scaligerijeve grobnice iz Verone tako velike, da jih je bilo treba premakniti izven cerkve. Do 15. stoletja je v župnijskih cerkvah, ki si niso mogle privoščiti kamnitih retablov, te izdelovala industrija iz nottinghamskega alabastra in jih izvažala kot oltarne reliefe v večjem delu Evrope[13].

Prenosni kipi[uredi | uredi kodo]

Na pokrovu Waltersovega kovčka, Obleganju gradu Ljubezni na levi in dirkanje. Pariz, 1330–1350.
Slika Cristo de La Laguna (Tenerife, Španija) iz Flandrije in datirana med 1510–1514

Majhne rezbarije za pretežno lahek in pogosto ženski trg so v Parizu in nekaterih drugih središčih postale velika panoga. Tipi slonovine so bili majhni pobožni poliptihi, posamezne figure, zlasti Device, omarice z ogledali, glavniki in dovršene skrinje s prizori iz romanc, ki so se uporabljala kot darila za zaroko [14]. Zelo bogati so zbirali ekstravagantno dovršene kovinske in emajlirane predmete, tako posvetne kot verske, kot je relikviarij Duc de Berryja Sveti trn, dokler jim ni zmanjkalo denarja, ko so jih spet raztopili za denar [15].

Gotske skulpture, neodvisne od arhitekturnega ornamenta, so bile ustvarjene predvsem kot pobožni predmeti za dom ali namenjene kot donacija za lokalne cerkve [16]. Majhni reliefi v slonovini, lesu in kosti kažejo verske in posvetne predmete ter so bili namenjeni cerkveni in domači uporabi. Takšne skulpture so delo mestnih obrtnikov, najbolj trden predmet tridimenzionalnih majhnih kipov pa je Devica Marija sama ali z otrokom. Pariz je bil glavno središče slonokoščenih delavnic in so jih izvažali v večino severne Evrope, čeprav je imela tudi Italija precej proizvodnje. Primer teh neodvisnih skulptur je med zbirkami opatijske cerkve St Denis; ¸posrebrena Devica in otrok je iz leta 1339 in ima Marijo odeto plašč z infantilno Kristusovo figuro. Tako preprostost plašča kot otroška mladost sta vzor drugim skulpturam, ki jih najdemo v severni Evropi iz 14. stoletja do začetka 15. stoletja. Takšna skulptura kaže evolucijo iz prejšnjega krutega in podolgovatega sloga, še vedno deloma romanskega, v prostorski in naturalističen občutek v poznem 12. in začetku 13. stoletja. Druge francoske gotske kiparske teme so vključevale figure in prizore iz takratne popularne literature. Posnetki iz poezije trubadurjev so bili še posebej priljubljeni med obrtniki z ogledali in majhnimi škatlami, katere so domnevno uporabljale ženske [17]. Kovček s prizori romantike (Walters 71264) iz leta 1330–50 je nenavadno velik primer, v katerem so na voljo številni prizori iz različnih literarnih virov.

Priljubljeni in poceni so bili tudi spominki romanj v svetišča, na primer glinene ali svinčene značke, medalje in ampule, odtisnjene s podobami. Njihov posvetni ekvivalent, značke z grbi, so bili znak fevdalne in politične lojalnosti ali zavezništva, ki je v Angliji veljalo za družbeno grožnjo pod bastardnim feudalizmom. Cenejše oblike so včasih dajali brezplačno, tako kot 13.000 značk, ki jih je leta 1483 naročil angleški kralj Richard III. v fustianskem platnu z emblemom belega merjasca za investituro svojega sina Edvarda kot welškega princa [18], ogromno število glede na takratno prebivalstvo. Dunstableov labodji dragulj, ki je v celoti izdelan v emajliranem zlatu, je veliko bolj ekskluzivna različica, ki bi jo prejel nekdo zelo blizu ali pomemben donatorju.

Sklici[uredi | uredi kodo]

  1. Stokstad (2005), 516.
  2. Stokstad (2005), 544.
  3. Émile Mâle, The Gothic Image, Religious Art in France of the Thirteenth Century, p 165-8, English trans of 3rd edn, 1913, Collins, London (and many other editions) is a classic work on French Gothic church art
  4. Kirsten Trampedach: Introduction to Danish Wall Paintings – Conservation Ethics and Methods of Treatment. National Museum of Denmark Arhivirano 24 November 2009 na Wayback Machine.. Retrieved 6 September 2009.
  5. Coe, 8–11
  6. Stokstad (2005), 540.
  7. Stokstad (2005), 541.
  8. Stokstad (2005), 542.
  9. Lane, Barbara G,The Altar and the Altarpiece, Sacramental Themes in Early Netherlandish Painting, Harper & Row, 1984, ISBN 0-06-430133-8 analyses all these works in detail. See also the references in the articles on the works.
  10. Honour and Fleming, 297–300; Henderson, 55, 82–84
  11. Olson, 11–24; Honour and Fleming, 304; Henderson, 41
  12. Snyder, 305–311
  13. V&A Museum feature on the Nottingham alabaster Swansea Altarpiece
  14. Calkins, 193–198
  15. Cherry, 25–48; Henderson, 134–141
  16. Stokstad (2005), 537.
  17. Stokstad (2005), 539.
  18. Cherry (2003), 204

Reference[uredi | uredi kodo]

  • Calkins, Robert G.; Monuments of Medieval Art, Dutton, 1979, ISBN 0525475613
  • Cherry, John. The Holy Thorn Reliquary, 2010, British Museum Press (British Museum objects in focus), ISBN 0-7141-2820-1
  • Cherry, John, in Marks, Richard and Williamson, Paul, eds. Gothic: Art for England 1400–1547, 2003, V&A Publications, London, ISBN 1-85177-401-7
  • Henderson, George. Gothic, 1967, Penguin, ISBN 0-14-020806-2
  • Hugh Honour and John Fleming, A World History of Art, 1st edn. 1982 (many later editions), Macmillan, London, page refs to 1984 Macmillan 1st edn. paperback. ISBN 0333371852
  • Olson, Roberta J.M., Italian Renaissance Sculpture, 1992, Thames & Hudson (World of Art), ISBN 978-0-500-20253-1
  • Robinson, James, Masterpieces of Medieval Art, 2008, British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2815-3
  • Conrad Rudolph, ed., A Companion to Medieval Art: Romanesque and Gothic in Northern Europe, 2006, ISBN 978-1405198783
  • Rudolph,Conrad, "Inventing the Gothic Portal: Suger, Hugh of Saint Victor, and the Construction of a New Public Art at Saint-Denis," Art History 33 (2010) 568–595
  • Rudolph, Conrad, "Inventing the Exegetical Stained-Glass Window: Suger, Hugh, and a New Elite Art," Art Bulletin 93 (2011) 399–422
  • James Snyder. Northern Renaissance Art, 1985, Harry N. Abrams, ISBN 0136235964

Zunanje povezave[uredi | uredi kodo]