Rembrandt

Iz Wikipedije, proste enciklopedije
Jump to navigation Jump to search
Rembrandt
Portret
RojstvoRembrandt Harmenszoon van Rijn
15. julij 1606({{padleft:1606|4|0}}-{{padleft:7|2|0}}-{{padleft:15|2|0}})[1][2][3]
Leiden[1][4], Leiden[d][5]
Smrt4. oktober 1669({{padleft:1669|4|0}}-{{padleft:10|2|0}}-{{padleft:4|2|0}})[1][2][6] (63 let)
Amsterdam[1][5]
DržavljanstvoStatenvlag.svg Republika Nizozemska
Poklicslikar, risar, grafik, zbiralec umetnin, jedkar
PodpisRembrandt autograph.svg

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, holandski slikar in grafik, * 15. julij 1606 v Leidnu, † 4. oktober 1669, Amsterdam.

Velja za enega najpomembnejših baročnih slikarjev.

Življenjepis[uredi | uredi kodo]

Rembrandt je bil rojen 15. julija 1606 v Leidnu kot osmi od devetih otrok. Oče Gerritszoon Harmen van Rijn je bil mlinar in mati Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck pa pekova hči. V letih 1612-1616 je obiskoval osnovno šolo in med letoma 1616-1620 pa strogo kalvinistično latinsko šolo.[7] Za tem se je vpisal na filozofsko fakulteto Univerze v Leidnu, ki pa jo je kmalu zapustil, da bi se usposobil za slikarja. Od 1620 do 1624 je bil učenec Jacoba van Isaacsz Swanenburgha, v Italiji izobraženega slikarja in arhitekta. Leta 1624 je šestmesečno pripravništvo opravil še pri zgodovinskem slikarju Pietru Lastmanu v Amsterdamu.[8] Ta ga je seznanil s chiaroscúrom, načinom uporabe svetlobe in sence za prikaz dramatičnosti.

Leta 1625 se je Rembrandt vrnil v Leiden in ustanovil s prijateljem Janom Lievensom lastno slikarsko delavnico. V začetku je posnema dela učitelja Lastmana, po treh letih pa izdelal tudi prve jedkanice. V novembru 1628 ga je obiskal tajnik guvernerja Frederick Henry Constantijn Huygens. Bil je navdušen nad njegovim delom, tako da mu je v letih 1629 in 1630 prodal dve sliki. Aprila 1630 je Rembrandtu umrl oče.

Po prvem uspehu, se je leta 1631 preselil v Amsterdam. Kupil je veliko delavnico in že kmalu dobil prva naročila bogatih trgovcev za izdelavo portretov. Tudi guverner Friderik Henrik Oranski mu je naročil sliko Jezusovo trpljenje (tudi Jezusov pasijon). Leta 1632 je prejel tudi naročilo za sliko Anatomija dr. Tulpa V tem letu je izdelal 30 slik. Stanoval je pri Hendricku van Uylenburghu, trgovcu z umetninami, ki je postal tudi njegov družabnik in mu priskrbel mnoga naročila.

Leta 1634 se je poročil z družabnikovo nečakinjo in hčerjo bogatega patricija, Saskijo van Uylenburgh. Pridružil se je cehu sv. Luke, kar mu je omogočilo neodvisnost ter posedovanje vajencev in študentov. Leta 1639 je kupil hišo v kateri danes domuje Rembrandtov muzej. Trije sinovi so mu umrli, preživel je le Titus, rojen 1641. V juniju 1642 mu je umrla žena. V tem času je naslikal svojo najznamenitejšo sliko Nočna straža. Po vseh družinskih tragedijah je njegova volja za slikanje nekoliko upadla.

Leta 1642 je zaposlil vdovo Geertge Dircx, da bi pazila sina, ta pa ga je leta 1649 tožila, da je razdrl zaroko. Pritožil se je in leto kasneje dosegel, da je šla v prevzgojni dom. Leta 1647 se najel mlado služkinjo Hendrickje Stoffels, ki je do svoje smrti leta 1663 ostala gospodinja in ljubica. Njen obraz je na več slikah. Leta 1654 je rodila prvo hčer Cornelijo.

Rembrandt je v tem času naslikal vrsto mojstrovin pa tudi jedkanic, zaslužil pa je tudi s poučevanjem. Imel je dovolj naročil, vendar je zašel v dolgove. Leta 1656 je bankrotiral, v naslednjih dveh letih je moral prodati hišo in umetnine, katerih lastnik je bil. Sin Titus in Hendrickje sta ustanovila podjetje in zaposlila Rembrandta, vsi pa so se preselili v Rozengracht, predmestje Amsterdama. Leta 1662 je naslikal Židovsko nevesto, kar je bila posledica druženja z židovsko skupnostjo v novem okolju kamor se je preselil. Hendrickje Stoffels je umrla leta 1663. 7. septembra 1668 je umrl sin Titus, ki se je šest mesecev prej poročil. Rembrandtov vnuk se je rodil 22. marec 1669, 4. oktobra istega leta pa je Rembrandt umrl.

Delo[uredi | uredi kodo]

V pismu Huygensu je Rembrandt ponudil edino ohranjeno razlago tega, kaj je želel doseči s svojo umetnostjo: največje in najbolj naravno gibanje, prevedeno iz de meeste en de natuurlijkste beweegelijkheid. Trdi se tudi, da beseda beweegelijkheid pomeni 'čustvo' ali 'motiv'. Ali se to nanaša na cilje, materialne ali drugačne, je stvar interpretacije; kakor koli že, kritiki so še posebej opozorili na način, kako je Rembrandt brez težav združil zemeljsko in duhovno.[9]

Edina znana Rembrandtova morska krajina, Nevihta na Galilejskem jezeru, 1633. Slika še vedno manjka po ropu iz muzeja Isabella Stewart Gardner leta 1990.

Poznavalci iz 20. stoletja so trdili, da je Rembrandt izdelal več kot 600 slik[10], skoraj 400 jedkanic in 2000 risb.[11] Novejše raziskave, od 1960-ih do danes (pod vodstvom Raziskovalnega projekta Rembrandt), pogosto kontroverzne, kažejo na njegov opus iz približno 300 slik. Njegove grafike, tradicionalno vse imenovane jedkanice, čeprav so mnogw v celoti ali delno izdelane z gravuro in včasih suho igro, imajo veliko bolj stabilen skupni seštevek nekaj manj kot 300. Verjetno je Rembrandt v življenju naredil veliko več risb kot 2000, vendar so obstoječe bolj redke, kot se domneva. Dva strokovnjaka trdita, da število risb, katerih status avtogramov lahko štejemo za dejansko 'določene', ni večje od približno 75, čeprav je to sporno. Seznam naj bi bil predstavljen na znanstvenem sestanku februarja 2010.[12]

Nekoč je bilo približno 90 slik štetih za Rembrandtove avtoportrete, zdaj je znano, da je učencem v okviru njihovega usposabljanja dal kopirati lastne avtoportrete. Sodobna raziskava je število avtogramov zmanjšala na več kot 40 slik, pa tudi nekaj risb in 31 jedkanic, ki vključujejo številne najpomembnejše podobe skupine.[13] Nekatere ga prikazujejo, kako pozira v navidezno zgodovinski modni obleki ali pači obraz. Njegove oljne slike zasledujejo napredek od negotovega mladeniča, skozi čudovitega in zelo uspešnega portretista 1630-ih, do težavnih, a izjemno močnih portretov njegove starosti. Skupaj dajejo izjemno jasno sliko o človeku, njegovem videzu in psihološki sestavi, kar razkriva njegov močno earbrazdan obraz.

Poljski plemič, 1637

Na svojih portretih in avtoportretih nagne obraz portretiranca tako, da greben nosu skoraj vedno tvori razmejitveno črto med močno osvetljenimi in senčnimi predeli. Rembrandtov obraz je obraz, ki je delno zasenčen; in nos, svetel in očiten, potisnjen v uganko poltonov, služi za usmerjanje gledalčeve pozornosti in za dramatizacijo delitve med poplavo svetlobe - izjemno jasnostjo - in zajetno mračnostjo.[14]

V številnih biblijskih delih, vključno z Dviganje križa, Jožef pripoveduje svoje sanje in Kamenjanje svetega Štefana se je Rembrandt naslikal kot lik v množici. Durham trdi, da je bilo to zato, ker je bila Biblija za Rembrandta »nekakšen dnevnik, poročilo o trenutkih v njegovem lastnem življenju«.[15]

Med vidnejšimi značilnostmi Rembrandtovega dela so njegova uporaba chiaroscúro, gledališka uporaba svetlobe in sence, ki izhaja od Caravaggia ali, bolj verjetno, od nizozemskega caravaggista, vendar prilagojenega za zelo osebna sredstva.[16] Izstopata tudi njegova dramatična in živahna predstavitev tem, brez toge formalnosti, ki so jo pogosto kazali njegovi sodobniki in globoko sočutje do človeštva, ne glede na bogastvo in starost. Njegova ožja družina - njegova žena Saskia, njegov sin Titus in njegova zunajzakonska žena Hendrickje - so se pogosto pojavljali na njegovih slikah, od katerih so bile mnoge mitske, biblijske ali zgodovinske teme.

Obdobja, teme in slog[uredi | uredi kodo]

V svoji karieri je Rembrandt kot svoje glavne predmete jemal teme portretno, krajinsko in pripovedno slikarstvo. Nazadnje so ga še posebej hvalili sodobniki, ki so ga kot mojstrskega tolmača svetopisemskih zgodb hvalili zaradi njegove veščine predstavljanja čustev in pozornosti do podrobnosti. Slogovno so njegove slike napredovale od zgodnjega 'mehkega' načina, za katerega je bila značilna fina tehnika v upodabljanju iluzionistične oblike, do pozne 'grobe' obdelave bogato razgivanih barvnih površin, kar je omogočilo iluzionizem oblike, ki ga nakazuje otipna kakovost same barve.[17]

Ugrabitev Evrope, 1632. olje na tabli. Delo je bilo opisano kot »... svetel primer zlate dobe baročnega slikarstva«.[18]

Vzporeden razvoj je mogoče opaziti v Rembrandtovi veščini tiskarja. V jedkanicah njegove zrelosti, zlasti od poznih 1640-ih, se je svoboda in širina njegovih risb in slik izrazila tudi v tiskanem mediju. Dela zajemajo širok spekter predmetov in tehnik, včasih puščajo velike površine belega papirja, da predlagajo prostor, včasih pa uporabljajo zapletene mreže linij za ustvarjanje bogatih temnih tonov.

V času Rembrandtovega leidenskega obdobja (1625–1631) je bil Lastmanov vpliv najbolj viden. Verjetno je tudi Lievens v tem času močno vplival na njegovo delo. Slike so bile precej majhne, a bogate s podrobnostmi (na primer s kostumi in nakitom). Prednjačile so bile religiozne in alegorične teme, pa tudi tronije (v nizozemščini 16. ali 17. stoletja za 'obraz' - pogosta vrsta ali skupina vrst del v nizozemskem slikarstvu zlate dobe in flamskem baroku, ki kažejo pretiran izraz obraza ali značilnost kostuma.). Leta 1626 je Rembrandt ustvaril svoje prve jedkanice, katerih široka razširjenost je v veliki meri predstavljalo njegovo mednarodno slavo. Leta 1629 je zaključil Skesanec Juda vrne srebrnike in Umetnik v svojem ateljeju, deli, ki dokazujeta njegovo zanimanje za ravnanje s svetlobo in raznolikostjo barv ter predstavljata prvi pomemben napredek v njegovem slikarskem razvoju.[19]

Tipičen portret iz leta 1634, ko je Rembrandt užival velik komercialni uspeh

V zgodnjih letih v Amsterdamu (1632–1636) je Rembrandt začel risati dramske biblijske in mitološke prizore v visokem kontrastu in v velikem formatu (Samsonova oslepitev, 1636, Belšazarjeva gostija, okoli 1635, Danaa, 1636, kasneje predelana), poskuša posnemati Rubensov baročni slog. Z občasno pomočjo pomočnikov v Uylenburghovi delavnici je naslikal številna naročila portretov, tako majhne (Jacob de Gheyn III.) kot velike (Portret ladjedelničarja Jana Rijcksena in njegove žene, 1633, Anatomija dr. Tulpa, 1632). [20]

V poznih 1630-ih je Rembrandt ustvaril nekaj slik in veliko jedkanic krajin. Te krajine so pogosto poudarjale naravno dramo z izruvanimi drevesi in zloveščim nebom (Hiše pred nevihtnim nebom, ok. 1641; Tri drevesa, 1643). Od leta 1640 je njegovo delo postalo manj živahno in bolj trezno v tonu, kar je verjetno odražalo osebno tragedijo. Biblijski prizori so zdaj pogosteje izhajali iz Nove zaveze kot iz Stare zaveze, kot je to veljalo že prej. Leta 1642 je naslikal sliko Nočna straža, najpomembnejše od najpomembnejših skupinskih portretnih naročil, ki jih je prejel v tem obdobju in s pomočjo katerih je iskal rešitve za kompozicijske in pripovedne probleme, ki jih je poskušal v prejšnjih delih.

Avtoportret, 1658, zbirka Frick, mojstrovina končnega sloga, »najmirnejši in največji od vseh njegovih portretov«[21]

V desetletju po Nočni straži so se Rembrandtove slike zelo razlikovale po velikosti, temi in slogu. Prejšnja težnja po ustvarjanju dramatičnih učinkov predvsem zaradi močnih kontrastov svetlobe in sence se je umaknila uporabi čelne razsvetljave ter večjih in bolj nasičenih barvnih površin. Hkrati je postavil figure vzporedno z ravnino slike. Te spremembe lahko razumemo kot premik k klasičnemu načinu kompozicije in glede na bolj izrazito uporabo čopičev lahko kažejo na poznavanje beneške umetnosti (Suzana in starca, 1637–47).[22] Hkrati se je opazno zmanjšalo število slikarskih del v korist jedkanic in risb krajin. V teh grafičnih delih se je sčasoma naravna drama naredila prostor za tihe nizozemske podeželske prizore.

V 1650-ih se je Rembrandtov slog spet spremenil. Barve so postale bogatejše, poteze s čopičem pa bolj izrazite. S temi spremembami se je Rembrandt distanciral od prejšnjih del in trenutne mode, ki se je vedno bolj nagibala k finim, podrobnim delom. Njegova uporaba svetlobe postane bolj nazobčana in ostra, sijaja pa skorajda ni več. Njegov edinstven pristop k nanašanju barv je morda deloma nakazoval poznavanje del Tiziana in bi ga lahko videli v kontekstu tedanje razprave o "zaključku" in kakovosti površine slik. Sodobna poročila včasih nezadovoljno pripominjajo na grobost Rembrandtovega čopiča, umetnik sam pa naj bi obiskovalce odvrnil od pretiranega pogleda na njegove slike. Taktilna manipulacija z barvo lahko upošteva srednjeveške postopke, ko mimetični učinki upodabljanja opozarjajo na površino slike. Končni rezultat je bogato raznoliko ravnanje z barvami, globoko plastnimi in pogosto na videz naključnimi, kar navidezno in zelo individualno nakazuje obliko in prostor.[23]

V poznejših letih je svetopisemske teme še vedno pogosto upodabljal, vendar se je poudarek premaknil z dramatičnih skupinskih prizorov na intimne portretne figure (Apostol Jakob, 1661). V zadnjih letih je Rembrandt naslikal svoje najbolj globoko odsevne avtoportrete (od 1652 do 1669 jih je naslikal petnajst) in več gibljivih podob moških in žensk (Judovska nevesta, ok. 1666) - v ljubezni, v življenju in pred Bogom.[24][25]

Grafična dela[uredi | uredi kodo]

Stogoldinarski list, c. 1647–49, jedkanica, na japonskem papirju, Narodni muzej zahodne umetnosti..

Rembrandt je večino svoje kariere med letoma 1626 in 1660 izdeloval jedkanice, ko je bil prisiljen prodati tiskarno in praktično opustil jedkanje. Le težavno leto 1649 ni dalo nobenega datiranega dela. [62] Z lahkoto se je lotil jedkanja in čeprav se je naučil uporabljati graver in deloma vrezal številne plošče, je bila tehnika jedkanja temeljnega pomena za njegovo delo. Bil je zelo tesno vpleten v celoten postopek grafike in moral je že sam natisniti vsaj zgodnje primere svojih jedkanic. Sprva je uporabljal slog, ki temelji na risanju, kmalu pa se je preselil v slog, ki temelji na slikanju, pri čemer je uporabil množico črt in številne grizljaje s kislino, da je dosegel različne jakosti linije. Proti koncu 1630-ih se je odzval na tak način in se preselil v preprostejši slog z manj grizljaji.[26] Skozi 1640-ta leta je postopoma delal na tako imenovanem Stogoldinarskem listu in to je bilo »kritično delo sredi njegove kariere«, iz katerega je začel nastajati njegov zadnji slog jedkanja. Čeprav se je odtis ohranil le v dveh stopnjah, je prvi zelo redek, zato je pod končnim odtisom mogoče videti veliko predelave, za njegove elemente pa je preživelo veliko risb.[27]

Tri drevesa, 1643, jedkanica

V zrelih delih v 1650-tih je bil Rembrandt bolj pripravljen improvizirati na plošči in veliki odtisi so običajno preživeli v več stopnjah, do enajstih, pogosto radikalno spremenjenih. Zdaj je z uporabo črtkanja ustvaril svoje temne predele, ki pogosto zavzamejo večino plošče. Prav tako je eksperimentiral z učinki tiskanja na različne vrste papirja, vključno z japonskim papirjem, ki ga je pogosto uporabljal zaradi njegovega rumenkastega odtenka in na velum. Začel je uporabljati površinski ton, na delih plošče pa je pustil tanek sloj črnila, namesto da bi ga popolnoma obrisal, da bi natisnil vsak odtis. Bolj je uporabljal suho iglo in izkoriščal, zlasti v krajinah, bogato mehko zarezo, ki ga ta tehnika daje prvim vtisom.

Njegovi odtisi so podobni temam njegovih slik, čeprav je sedemindvajset avtoportretov razmeroma pogostejših, portreti drugih ljudi pa manj. Obstaja šestinštirideset krajin, večinoma majhnih, ki so v veliki meri določale smer grafične obdelave krajine do konca 19. stoletja. Tretjina njegovih jedkanic je verskih predmetov, mnogi so bili obravnavani z domačo preprostostjo, medtem ko so drugi njegovi najbolj monumentalni odtisi. Nekaj erotičnih ali zgolj nespodobnih kompozicij nima enakovrednih na njegovih slikah.[28] Bil je lastnik, dokler ni bil prisiljen prodati, čudovite zbirke grafik drugih umetnikov, številne izposoje in vplive v njegovem delu pa lahko zasledimo pri tako raznolikih umetnikih, kot so Mantegna, Rafael, Hercules Seghers in Giovanni Benedetto Castiglione.

Rembrandtove risbe in njegovih učencev / sledilcev so skozi stoletja veliko proučevali številni umetniki in raziskovalci. Njegovo izvirno risanje so opisali kot individualistični umetniški slog, ki je bil zelo podoben vzhodnoazijskim starim mojstrom, predvsem kitajskim mojstrom:[29] »kombinacija formalne jasnosti in kaligrafske vitalnosti pri gibanju peresa ali čopiča, ki je bližje kitajskemu slikanju v tehniki in občutku kot kar koli v evropski umetnosti pred 20. stoletjem«.[30]

Orientalski navdih[uredi | uredi kodo]

Rembrandtova risba indijske mogulske slike
Igranje vloge v avtoportretu kot orientalski potentat s kris / keris, z javanskim orožjem (jedkanje, ok. c. 1634)

Rembrandta so zanimale mogulske miniature, zlasti okoli 1650-ih. Narisal je različice 23 slik in je morda imel celo album. Te miniature vključujejo slike šaha Džahana, Akbarja, Džahangirja in Dara Šikoha. Morda so vplivali tudi na kostume in druge vidike njegovih del.[31][32][33][34]

Nočna straža[uredi | uredi kodo]

Glavni članek: Nočna straža.
Nočna straža ali Četa milice kapitana Fransa Bannincka Cocqa, 1642. Olje na platnu; na ogled v Rijksmuseumu v Amsterdamu

Rembrandt je naslikal veliko sliko Četa milice kapitana Fransa Bannincka Cocqa med letoma 1640 in 1642. To sliko so Nizozemci imenovali De Nachtwacht, Nočna straža pa sir Joshua Reynolds, ker je bila v 18. stoletju slika tako zatemnjena in uničena, da je bila skoraj nerazločljiva in je izgledala kot povsem nočni prizor. Ko so jo očistili, je bilo ugotovljeno, da predstavlja dan - skupino mušketirjev, ki stopi iz turobnega dvorišča na zaslepljujočo sončno svetlobo.

Kompozicija je bila naročena za novo dvorano Kloveniersdoelena, mušketirske veje civilne milice. Rembrandt je odstopil od konvencije, ki je odredila, da morajo biti takšni žanrski deli mogočni in formalni, prej zasedba kot akcijska scena. Namesto tega je pokazal, da se milica pripravlja na akcijo.

V nasprotju s tem, kar se pogosto govori, je bilo delo že od začetka ocenjeno kot uspeh. Deli platna so bili odrezani (odstranjeno je bilo približno 20 % z leve strani), da je slika ustrezala novemu položaju, ko so jo leta 1715 preselili v tedanjo mestno hišo v Amsterdamu; muzej Rijksmuseum ima manjšo kopijo celotne prvotne kompozicije; štiri figure spredaj so v središču platna. Slika je zdaj v muzeju Rijksmuseum.

Strokovne ocene[uredi | uredi kodo]

Poljski jezdec – Mogoče Lisowczyk na konju

Leta 1968 se je, pod pokroviteljstvom nizozemske organizacije za napredek znanstvenih raziskav, začel Raziskovalni projekt Rembrandt; sprva naj bi trajal zelo optimističnih deset let. Umetnostni zgodovinarji so se povezali s strokovnjaki z drugih področij, da bi z uporabo vseh razpoložljivih metod, vključno z najsodobnejšo tehnično diagnostiko, ponovno ocenili verodostojnost del, pripisanih Rembrandtu in sestavili popolno novo kataloško utemeljenost njegovih slik. Kot rezultat njihovih ugotovitev je bilo veliko slik, ki so bile prej pripisane Rembrandtu, odstranjenih s seznama, nekatere pa dodane nazaj.[35] Številne odstranjene naj bi bili zdaj delo njegovih učencev.

Primer dejavnosti je Poljski jezdec v newyorški zbirki Frick. V Rembrandtovo avtorstvo je na začetku 20. stoletja podvomil vsaj en raziskovalec Alfred von Wurzbach, vendar se je več desetletij kasneje večina raziskovalcev, vključno z najpomembnejšo avtoriteto, Juliusom S. Heldom, strinjala, da je res mojster. V 1980-ih pa je dr. Josua Bruyn iz Foundation Rembrandt Research Project previdno in posredno pripisal sliko enemu od najbližjih in najbolj nadarjenih Rembrandtovih učencev Willemu Drostu, o katerem je malo znanega. Toda Bruynovo mnenje je ostalo manjšinsko, predlog Drostovega avtorstva je zdaj na splošno zavrnjeno, sam Frick pa ni nikoli spremenil svoje lastnine, na etiketi je še vedno pisalo "Rembrandt" in ni "pripisano" ali "šoli". Novejše mnenje se je odločneje spremenilo v korist Frika, saj sta Simon Schama (v svoji knjigi Rembrandtove oči iz leta 1999) in raziskovalec projekta Rembrandt Ernst van de Wetering (Melbourne Symposium, 1997) zagovarjala pripisovanje mojstru. Tistih nekaj strokovnjakov, ki še vedno dvomijo o Rembrandtovem avtorstvu, meni, da je izvedba neenakomerna in favorizira različne atribute za različne dele dela.[36]

Človek z zlato čelado, Gemäldegalerie, Berlin, nekoč eden najslavnejših portretov "Rembrandta", mojstru ni več pripisan.[37]

Podobno vprašanje je sprožil Simon Schama v svoji knjigi Rembrandtove oči v zvezi s preverjanjem naslovov, povezanih s tematiko, prikazano v Rembrandtovih delih. Na primer, natančen subjekt, upodobljen v Aristotel s Homerjevim poprsjem (nedavno so ga postavili kustosi v Metropolitanskem muzeju), je Schama neposredno izpodbijal s raziskavo Paula Crenshawa.[38] Schama predstavlja bistven argument, da je Rembrandt upodobil slavnega starogrškega slikarja Apela v razmišljanju in ne Aristotela.[39]

Še ena slika, Pilat si umiva roke, je prav tako vprašljiva. Kritično mnenje o tej sliki se spreminja od leta 1905, ko jo je Wilhelm von Bode opisal kot »nekoliko nenormalno delo« Rembrandta. Znanstveniki od takrat sliko datirajo v 1660-ta in jo dodelijo anonimnemu učencu, verjetno Aertu de Gelderju. Kompozicija je površno podobna zrelim Rembrandtovim delom, vendar nima mojstrovega izraza osvetlitve in modeliranja.[40]

Pripisovanje in odpisovanje je v teku. Leta 2005 so bile štiri oljne slike, ki so bile prej pripisane Rembrandtovim učencem, prerazvrščene kot delo samega Rembrandta: Študija starca v profilu in Študija starca z brado iz ameriške zasebne zbirke Študija jokajoče ženske v lasti Inštitut za umetnost v Detroitu in Portret starke z belo čepico, naslikan leta 1640.[41] Nadaljnji primer je Starec sedi na stolu: leta 2014 je profesor Ernst van de Wetering v Guardianu opisal svoje stališče, da je bilo znižanje slike Starec sedi na stolu iz leta 1652 »velika napaka ... to je najpomembnejša slika. Sliko je treba gledati v smislu Rembrandtovega eksperimentiranja«. To je veliko prej poudaril Nigel Konstam, ki je Rembrandta študiral skozi njegovo kariero [42]

Rembrandtova lastna studijska praksa je glavni dejavnik težav pri atribuciji, saj je, tako kot mnogi mojstri pred njim, spodbujal svoje učence, naj kopirajo njegove slike, včasih jih je dodelal ali retuširal, da bi jih prodali kot izvirnike, včasih pa jih prodajo kot pooblaščene kopije. Poleg tega se je njegov slog izkazal dovolj enostaven za posnemanje njegovih najbolj nadarjenih študentov. Zadeve dodatno otežujejo neenakomerna kakovost nekaterih lastnih Rembrandtovih del ter njegove pogoste slogovne evolucije in eksperimenti.[43] Pa tudi poznejša posnemanja njegovega dela in restavracije, ki so tako resno poškodovale izvirna dela, da jih ni več mogoče prepoznati.[44] Zelo verjetno je, da nikoli ne bo prišlo do splošnega dogovora o tem, kaj je in kaj ne predstavlja pravega Rembrandta.

Slikarski material[uredi | uredi kodo]

Saskia kot Flora, 1635

Tehnično preiskavo Rembrandtovih slik v posesti Gemäldegalerie Alte Meister[45] in Gemäldegalerie Alte Meister (Kassel)[46] je opravil Hermann Kühn leta 1977. Analize pigmentov približno tridesetih slik so pokazale, da je Rembrandtova paleta naslednjih pigmentov: svinčevo bela, različne oker, Vandyke rjava, kostno črna, oglje črna, svetilno črna, vermilion, jezersko modra, azurit, ultramarin, jezersko rumena in svinčeno-kositrno-rumena. Ena slika (Saskia van Uylenburgh kot Flora)[47] naj bi vsebovala žafranasto do gorčično rumeno. Rembrandt je zelo redko uporabljal čisto modre ali zelene barve, najbolj izrazita izjema je Belšazarjeva gostija[48] v Narodni galeriji v [[London]gu. Bomfordova knjiga opisuje novejše tehnične preiskave in analize pigmentov Rembrandtovih slik predvsem v Narodni galeriji v Londonu. Celotna paleta pigmentov, ki jih je uporabljal Rembrandt je na ColourLex.[49] Najboljši vir tehničnih informacij o Rembrandtovih slikah na spletu je Rembrandtova zbirka podatkov, ki vsebuje vsa Rembrandtova dela s podrobnimi preiskovalnimi poročili, infrardečimi in radiografskimi slikami ter drugimi znanstvenimi podrobnostmi.[50]

Ime in podpis[uredi | uredi kodo]

Zaklani vol, (1655), Louvre, Pariz

Rembrandt je priredba črkovanja umetnikovega imena, ki ga je uvedel leta 1633. Harmenszoon pomeni, da je očetu ime Harmen. van Rijn nakazuje, da je njegova družina živela blizu Rena.[51]

Grobo rečeno, njegovi najzgodnejši podpisi (ok. 1625) so bili sestavljeni iz začetnice R ali monograma RH (za Rembrant Harmenszoon) in od leta 1629, RHL (L je verjetno predstavljal Leiden ). Leta 1632 je ta monogram uporabil v začetku leta, nato mu je dodal svoje družinsko ime RHL-van Rijn, vendar je istega leta to obliko nadomestil in začel uporabljati samo svoje ime z izvirnim napisom Rembrant . Leta 1633 je dodal d in od takrat naprej to obliko dosledno vzdrževal, s čimer je dokazal, da je imela ta manjša sprememba zanj pomen (kakršen koli že bil). Ta sprememba je povsem vizualna; ne spremeni načina izgovorjave njegovega imena. Nenavadno je, da je kljub velikemu številu slik in jedkanic, podpisanih s tem spremenjenim imenom, večina dokumentov, ki so ga omenili že v življenju, ohranila prvotno Rembrant črkovanje. (Opomba: groba kronologija podpisnih oblik zgoraj velja za slike in v manjši meri za jedkanice; od leta 1632 je verjetno le ena jedkanica s podpisom RHL-v. Rijn, velik format Obujanje Lazarja).[52] Njegovo prakso, da je svoje delo podpisoval s svojim imenom, kasneje mu je sledil Vincent van Gogh, so verjetno navdihnili Rafael, Leonardo da Vinci in Michelangelo, ki so jih, tako kot zdaj, navajali samo svoja imena.[53]

Delavnica[uredi | uredi kodo]

Rembrandt je vodil veliko delavnico in imel veliko učencev. Seznam učencev iz njegovega obdobja v Leidnu in njegovega obdobja v Amsterdamu je precej dolg, predvsem zato, ker je bil njegov vpliv na slikarje okoli njega tako velik, da je težko ugotoviti ali je nekdo delal zanj v njegovem ateljeju ali pa je samo kopiral njegov slog za naročnike, željne pridobitve Rembrandta. Delni seznam bi moral vključevati:[54] Ferdinand Bol, Adriaen Brouwer, Gerrit Dou, Willem Drost, Heiman Dullaart, Gerbrand van den Eeckhout, Carel Fabritius, Govert Flinck, Hendrick Fromantiou, Aert de Gelder, Samuel Dirksz van Hoogstraten, Abraham Janssens Kneller, Philip de Koninck, Jacob Levecq, Nicolaes Maes, Jürgen Ovens, Christopher Paudiß, Willem de Poorter, Jan Victors in Willem van der Vliet.

Muzejske zbirke[uredi | uredi kodo]

Najpomembnejše zbirke Rembrandtovih del so v amsterdamskem Rijksmuseumu, med njimi Nočna straža in Judovska nevesta, muzej Mauritshuis v Haagu, Ermitaž v Sankt Petersburgu, Narodna galerija v Londonu, Gemäldegalerie v Berlinu, Gemäldegalerie Alte Meister v Dresdnu, Louvre, Nationalmuseum v Stockholmu in Schloss Wilhelmshöhe v Kasslu. V kraljevem gradu v Varšavi sta prikazani dve Rembrandtovi sliki. [101]

Pomembne zbirke Rembrandtovih slik v ZDA so v Metropolitanskem muzeju umetnosti in zbirki Frick v New Yorku, Narodni galeriji umetnosti v Washingtonu, Muzeju lepih umetnosti v Bostonu in muzeju J. Paul Getty v Los Angelesu. [102]

Rembrandtov hišni muzej v centru Amsterdama v hiši, ki jo je kupil na vrhuncu svojega uspeha, ima pohištvo, ki večinoma ni originalno, toda primerljivo s tistim, ki ga je imel Rembrandt in slike, ki odražajo Rembrandtovo uporabo hiše za umetniške posle. Njegov grafični studio je bil postavljen s tiskarno, kjer so tiskali replike. V muzeju je nekaj Rembrandtovih slik, veliko posojenih, a pomembna zbirka njegovih grafik, katerih dober izbor je na rotirajočem zaslonu. Vse večje tiskarne imajo velike zbirke odtisov Rembrandt, čeprav nekatere obstajajo le v enem vtisu, nobena zbirka ni popolna. Stopnja, do katere so te zbirke prikazane javnosti ali pa si jih lahko v tiskarni zlahka ogledajo, se zelo razlikuje.

Zbirateljstvo[uredi | uredi kodo]

Rembrandt je verjetno že v Leidnu začel z ustvarjanjem svoje obsežne zbirke raznih predmetov in umetnin. Zbirka je razdeljena na dva dela; eno so naravni predmeti kot korale in školjke, drugo so artefakti kot so kovanci, orožje, glasbila in mavčni odlitki glav grških filozofov in rimskih cesarjev. Imel je tudi zbirko umetniških del s področja slikarstva, grafik, bakrorezov in lesorezov. V zbirki je imel tudi dela znanih umetnikov Tiziana, Mantegna, Michelangelo,...

Zbiranje je bila neke vrste Rembrandtova obsedenost. Precejšen del zbirke je bilo prodane ob njegovem bankrotu.

Raziskovalni projekt Rembrandt[uredi | uredi kodo]

Leta 1968 je pod predsedovanjem Ernsta van de Weteringa, velikega strokovnjaka za Rembrandta, ustanovljen Raziskovalno projekt, ki naj bi ugotovil avtentičnost Rembrandtovih del. 6. oktobra 2010 je Ernst van de Wetering predstavil pet obsežnih zvezkov rezultatov raziskave na knjižnem sejmu v Frankfurtu. Delo na raziskavi je bilo razdeljeno v tri kategorije: A - slikarstvo, katerega avtorstvo Rembrandta je zavarovano, B - so tista dela, katerih avtorstvo Rembrandta ne veljajo zagotovo, ga pa tudi ni mogoče zanikati, in C - zajema dela, katerih avtorstvo Rembrandt ni potrjeno. Raziskovalni projekt Rembrandt je zmanjšal število avtentičnih del Rembrandta na okrog 350. Raziskava je ponudila tudi veliko znanstvenih spoznanj do Rembrandtovih del, ki so zbrani v podatkovni bazi in se nanašajo na oprabljene materiale (pigmenti, vezalci in slikarske površine).

Rembrandtova nagrada[uredi | uredi kodo]

Rembrandtova nagrada je nizozemska filmska nagrada. Ustanovljena je bila leta 1993, podeljevali jo niso med letoma 1999 in 2006. Ponovno je bila podeljena leta 2007. Žirija podeljuje nagrade fundacije Rembrandt filmom in igralcem v različnih kategorijah. V vsaki kategoriji je nagrada lahko podeli tako nizozemskim filmom kot tudi tujim osebam ali filmu.[55]

Izbrana dela[uredi | uredi kodo]

Dekle v okvirju slike, 1641, Royal Castle, Varšava
Evangelist Matej in angel, 1661
  • Kamenjanje svetega Štefana (1625) - Musée des Beaux-Arts, Lyon
  • Andromeda priklenjena na skale (1630) - Mauritshuis, Haag
  • Jacob de Gheyn III (1632) - Galerija slik Dulwich, London
  • Filozof v meditaciji (1632) - Louvre, Pariz
  • Anatomija dr. Tulpa (1632) - Mauritshuis, Haag
  • Artemizija (1634) - olje na platnu, 142 × 152 cm, Museo del Prado, Madrid
  • Snemanje s križa (1634) - olje na platnu, 158 × 117 cm, trenutno v Ermitažu, Sankt Peterburg
  • Belšazarjeva gostija (1635) - Narodna galerija, London
  • Izgubljeni sin v bordelu (ok. 1635) - olje na platnu, 161 × 131 cm Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden
  • Danaa (1636 - ok. 1643) - muzej Ermitaž, Sankt Peterburg
  • Učenjak za katedrom (1641) - Kraljevi grad v Varšavi
  • Dekle v okvirju za slike (1641) - Kraljevi grad, Varšava
  • Nočna straža, uradno Četa milice kapitana Fransa Bannincka Cocqa (1642) - Rijksmuseum, Amsterdam
  • Kristus zdravi bolne (jedkanica ok. 1643, znana tudi kot Stogoldinarski list), vzdevek za ogromno vsoto, plačano zanjo
  • Boaz in Ruth (1643) - opatija Woburn / Gemaldegalerie, Berlin
  • Mlin (1645/48) - Nacionalna umetniška galerija, Washington, DC
  • Starec z zlato verigo (ok. 1631) Art Institute of Chicago
  • Suzana in starca (1647) - olje na plošči, 76 × 91 cm, Gemäldegalerie, Berlin
  • Kristusova glava (ok. 1648–56) - Muzej umetnosti v Filadelfiji [151]
  • Aristotel s Homerjevim poprsjem (1653) - Metropolitanski muzej umetnosti, New York
  • Batšeba pri kopanju (1654) - Louvre, Pariz
  • Kristus predstavljen ljudstvu (Ecce homo) (1655) - Muzej umetnosti v Birminghamu
  • Avtoportret (1658) - Frick Collection, New York
  • Trije križi (1660), jedkanica, četrta stopnja
  • Ahasver in Haman na praznik Estere (1660) - Puškinov muzej, Moskva
  • Zarota Klavdija Civilisa (1661) - Nationalmuseum, Stockholm (Claudius Civilis je vodil nizozemski upor proti Rimljanom) (večina razsekane slike je izgubljena, še vedno obstaja le osrednji del)
  • Portret Dircka van Osa (1662) - Muzej umetnosti Joslyn, Omaha, Nebraska
  • Sindikat draperskega ceha (Dutch De Staalmeesters, 1662) - Rijksmuseum, Amsterdam
  • Judovska nevesta (1665) - Rijksmuseum, Amsterdam
  • Haman pred Estero (1665) - Narodni muzej umetnosti Romunije, Bukarešta [152]

Galerija[uredi | uredi kodo]

Avtoportreti[uredi | uredi kodo]

Druge slike[uredi | uredi kodo]

Risbe in jedkanice[uredi | uredi kodo]

Viri in sklici[uredi | uredi kodo]

  1. 1,0 1,1 1,2 1,3 Record #11859964X // Gemeinsame Normdatei — 2012—2016.
  2. 2,0 2,1 Rembrandt
  3. Benezit Dictionary of Artists — 2006. — ISBN 978-0-19-977378-7
  4. http://www.bbc.co.uk/news/uk-scotland-13682474
  5. 5,0 5,1 https://rkd.nl/explore/artists/66219
  6. Rembrandt Harmensz. van Rhijn — 2009.
  7. Kristin Bahre u. a. (Hrsg.): Rembrandt. Genie auf der Suche. DuMont Literatur und Kunst, Köln 2006. Seite 24.
  8. Michael Bockemühl: Rembrandt. Taschen, Köln 2001. Seite 94.
  9. Hughes, p. 6
  10. Table comparing various catalogues
  11. Art of Northern Europe, Institute for the Study of Western Civilization. Arhivirano 29 September 2007 na Wayback Machine.
  12. "Schwartzlist 301 – Blog entry by the Rembrandt scholar Gary Schwartz". Garyschwartzarthistorian.nl. Pridobljeno dne 17 February 2012.
  13. White and Buvelot 1999, p. 10.
  14. Taylor, Michael (2007).Rembrandt's Nose: Of Flesh & Spirit in the Master's Portraits Arhivirano 5 May 2016 na Wayback Machine. p. 21, D.A.P./Distributed Art Publishers, Inc., New York ISBN 978-1-933045-44-3'
  15. Durham, p. 60.
  16. Bull, et al., pp. 11–13.
  17. van de Wetering, pp. 160, 190.
  18. Clough, p. 23
  19. van de Wetering, p. 284-285.
  20. van de Wetering, p. 286-287.
  21. Clark 1978, p. 28
  22. van de Wetering, pp. 163–65.
  23. van de Wetering, pp. 157–58, 190.
  24. »Na Rembrandtovih (poznih) odličnih portretih čutimo oči v oči z resničnimi ljudmi, zaznavamo njihovo toplino, potrebo po sočutju in tudi osamljenost in trpljenje. Tiste ostre in mirne oči, ki jih tako dobro poznamo iz Rembrandtove samozavesti portreti so morali biti videti naravnost v človeško srce.« Gombrich, p. 423.
  25.  »(Judovska nevesta) je slika odrasle ljubezni, čudovit amalgam bogastva, nežnosti in zaupanja ... glave, ki v resnici imeti duhovni sij, ki ga slikarji, ki jih je vplivala klasična tradicija, nikoli ne bi mogli doseči.« Clark, p. 206.
  26. White 1969, pp. 5–6
  27. White 1969, pp. 6, 9–10
  28. See Schwartz, 1994, where the works are divided by subject, following Adam Bartsch.
  29. Mendelowitz, Daniel Marcus: Drawing. (New York: Holt, Rinehart & Winston, Inc., 1967), p. 305. As Mendelowitz (1967) noted: "Verjetno nihče ni združil v tako veliki meri kot Rembrandt disciplinirane razlage tega, kar je videlo njegovo oko in ljubezni do črte kot lepe stvari same po sebi. Njegova "Zimska pokrajina" kaže na virtuoznost performansa orientalskega mojstra, vendar za razliko od orientalske kaligrafije ne temelji na ustaljeni konvenciji o izvedbi čopičev. Je tako oseben kot rokopis.
  30. Sullivan, Michael: The Meeting of Eastern and Western Art. (Berkeley/Los Angeles: University of California Press, 1989), p. 91
  31. Schrader, Stephanie; et al. (eds.): Rembrandt and the Inspiration of India. (Los Angeles, CA: J. Paul Getty Museum, 2018) ISBN 978-1-60606-552-5
  32. "Rembrandt and the Inspiration of India (catalogue)" (PDF). Pridobljeno dne 18 October 2019.
  33. "In Paintings: Rembrandt & his Mughal India Inspiration". 3 September 2017. Pridobljeno dne 12 May 2018.
  34. Ganz, James (2013). Rembrandt's Century. San Francisco, CA: Fine Arts Museum of San Francisco. str. 45. ISBN 9783791352244.
  35. "The Rembrandt Research Project: Past, Present, Future" (PDF). Pridobljeno dne 11 August 2014.
  36. See "Further Battles for the 'Lisowczyk' (Polish Rider) by Rembrandt" Zdzislaw Zygulski, Jr., Artibus et Historiae, Vol. 21, No. 41 (2000), pp. 197–205. Also New York Times story Arhivirano 8 January 2008 na Wayback Machine.. There is a book on the subject:Responses to Rembrandt; Who painted the Polish Rider? by Anthony Bailey (New York, 1993)
  37. John Russell (1 December 1985). "Art View; In Search of the Real Thing". New York Times.
  38. Schama, Simon (1999). Rembrandt's Eyes. Knopf, p. 720.
  39. Schama, pp 582–591.
  40. "Rembrandt Pilate Washing His Hands Oil Painting Reproduction". Outpost Art. Pridobljeno dne 1 January 2015.
  41. "Entertainment | Lost Rembrandt works discovered". BBC News. 23 September 2005. Pridobljeno dne 7 October 2009.
  42. Brown, Mark (23 May 2014), "Rembrandt expert urges National Gallery to rethink demoted painting", The Guardian, pridobljeno dne 21 December 2015
  43. "...Rembrandt was not always the perfectly consistent, logical Dutchman he was originally anticipated to be." Ackley, p. 13.
  44. van de Wetering, p. x.
  45. Kühn, Hermann. 'Untersuchungen zu den Pigmenten und Malgründen Rembrandts, durchgeführt an den Gemälden der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden'(Examination of pigments and grounds used by Rembrandt, analysis carried out on paintings in the Staatlichen Kunstsammlungen Dresden), Maltechnik/Restauro, issue 4 (1977): 223–233
  46. Kühn, Hermann. 'Untersuchungen zu den Pigmenten und Malgründen Rembrandts, durchgeführt an den Gemälden der Staatlichen Kunstsammlungen Kassel' (Examination of pigments and grounds used by Rembrandt, analysis carried out on paintings in the Staatlichen Kunstsammlungen Kassel), Maltechnik/Restauro, volume 82 (1976): 25–33
  47. Rembrandt, Saskia as Flora Arhivirano 15 March 2016 na Wayback Machine., ColourLex
  48. Bomford, D. et al., Art in the making: Rembrandt, New edition, Yale University Press, 2006
  49. Rembrandt van Rijn, General Resources, ColourLex
  50. "The Rembrandt Database". Arhivirano iz prvotnega spletišča dne 23 August 2015. Pridobljeno dne 6 July 2015.
  51. Roberts, Russell. Rembrandt. Mitchell Lane Publishers, 2009. ISBN 978-1-61228-760-7. p. 13.
  52. Chronology of his signatures (pdf) Arhivirano 3 March 2016 na Wayback Machine. with examples. Source: www.rembrandt-signature-file.com
  53. Slive, p. 60
  54. Rembrandt pupils (under Leraar van) in the RKD
  55. Filmska nagrada Rembrandt [1]
  56. White, 200
  57. Starcky, Emmanuel (1990). Rembrandt. Hazan. str. 45. ISBN 978-2-85025-212-9.
  • Douglas Mannering, Rembrandt, življenje in delo, Mladinska knjiga, 1995
  • Gariff, David; Denker, Eric; Weller, Dennis P. (2008). Najvplivnejši slikarji sveta in umetniki, ki so ustvarjali po njihovem navdihu. Ljubljana : Tehniška založba Slovenije. COBISS 241057024. ISBN 978-961-251-103-6.

Glej tudi[uredi | uredi kodo]

Zunanje povezave[uredi | uredi kodo]